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NYC Neugeborener Fotograf

NYC Newborn Photographer


Enchanted Forest Maxi von Free People NYC Neugeborener Lifestyle-Fotograf von Michelle Lange Photography

Clip Art wird seit Mitte des letzten Jahrhunderts in verschiedenen Formen verwendet. "Spot Illustrators" wurden von Print-Publikationen, Werbeagenturen usw. in den 1930er, 1940er und 1950er Jahren und in den 1980er Jahren angeheuert, um schnelle Schwarz-Weiß-Grafiken zu erstellen, die Werbung, Artikel, Foren, Kurzgeschichten und andere literarische Werke begleiten brauchte ein grafisches Element, um den Leser anzuziehen.

Das früheste und beliebteste Medium für die Erstellung von Cliparts war Feder und Tinte. Feder- und Tuschezeichnungen oder "Strichzeichnungen" wurden, wie der Name schon sagt, mit einem Dip- oder "Feder" -Stift und einem mit schwarzer Tinte gefüllten Tintenfass erstellt. Der Künstler, nennen wir ihn "Art Guy", tauchte seinen Stift in das Tintenfass, tippte auf die überschüssige Tinte am Flaschenrand und begann mit einer ruhigen Hand, seine Illustration zu zeichnen. Die meisten Künstler entschieden sich für ein hochwertiges Papier mit glattem Finish, das manchmal auch Pergament enthielt. Einige Künstler zogen es vor, ihre Motive zuerst mit einem Bleistift zu zeichnen, um eine "Schablone" zu erstellen, auf die die Tinte aufgetragen werden kann.

Sobald die Illustration vollständig war, wurde sie alleine trocknen gelassen. Um die Tinte schneller zu trocknen, verwendeten einige Künstler "Pounce", ein feines Pulver, das sparsam über die nasse Illustration gestreut wurde. Puder kann unter Verwendung einer Vielzahl von Materialien hergestellt werden, einschließlich Sand, Speckstein, Talk und sogar fein gemahlenem Salz. Pounce wird auch von Kalligrafen verwendet.

Sobald die Illustration trocken war, wurde sie dem Bediener der Stat Camera übergeben und in einer Dunkelkammer fotografiert, um einen Film aus dem kamerabereiten Bildmaterial zu erstellen. Schattierte oder "Halbton" -Schwarzweißbilder könnten unter Verwendung verschiedener Punktmusterfilter aus der vollschwarzen Kunst erzeugt und dann auf Papier übertragen werden. Mit diesem Verfahren konnten endlose Kopien der Originalvorlagen erstellt werden, ähnlich wie mit den elektronischen Kopiergeräten, die viele Jahrzehnte später erfunden wurden. Die Papierkopien wurden dann zugeschnitten und in Vorbereitung auf den Veröffentlichungsprozess "zugeschnitten". Dann begab sich "Art Guy" in den Produktionsraum, um sein cooles "Layout" -Ding zu machen!

"Layouts" wurden erstellt, indem Text und Bilder auf ansprechende Weise kombiniert und die verschiedenen Objekte auf Liniertes Papier geklebt wurden. Die Regeln halfen dem Produktionskünstler, die Bilder sowohl horizontal als auch vertikal auszurichten. Mit blauer Tinte gedruckt, konnten die Regeln nicht fotografiert werden, wodurch die Regeln in der endgültigen gedruckten Publikation unsichtbar wurden. Das Aufkleben von Text und Bildern auf das linierte Papier wurde mit einer Vielzahl von Methoden erreicht. Haushaltsklebstoffe waren eine häufige Wahl, aber in den 1940er Jahren wurde Bienenwachs populär. Elektronische Wachsmaschinen wurden an eine Steckdose angeschlossen und aufwärmen gelassen. Bienenwachsblöcke wurden in einen Erwärmungstank innerhalb der Maschine gegeben, und die Wärme des Tanks schmolz das Wachs zu Flüssigkeit. Ein Mechanismus oben auf der Maschine ermöglichte es dem Benutzer, die Büroklammerkunst an einem Ende "trocken" einzuführen und dann die Kunst am anderen Ende "gewachst" wieder herauszuholen. Das Gerät hat nur eine Seite des Papiers gewachst, sodass der Benutzer das Bild mit einem Polierwerkzeug und einer Gummiwalze auf dem Layoutpapier fixieren kann. Text wurde mit dem gleichen Verfahren angewendet. Das fertige Layout wurde dann in die Dunkelkammer gebracht, wo es mit einer Kamera aufgenommen und ein Filmnegativ erstellt wurde. Ein kurzer Prozess später wurde das Filmnegativ zu einer Platte "positiv", die für den Offsetdruck bereit war.

Als die Publikationsbranche Fortschritte machte, stellten Grafikkünstler und Grafikdesigner fest, dass es einfacher war, die bereits vorhandenen Bilder, die sie bereits aufgenommen und für die Veröffentlichung der Vorwoche vorbereitet hatten, wiederzuverwenden. Anstatt immer wieder dieselben Illustrationen zu zeichnen, haben sie die alten Strichzeichnungen recycelt ... und voila! Produktion Clip Art wurde geboren und leider "Art Guy" war arbeitslos!

Schnell füllten sich die Bibliotheken des Publikationshauses mit Tausenden und Abertausenden von geschnittenen Bildern. In den nächsten Jahrzehnten füllten sich überall die Bildbestände mit Kunstabteilungen. Dann, zum Glück in den frühen 1980er Jahren, retteten Personal Computer und das "digitale Zeitalter" die Branche. Unter Verwendung einer futuristischen Erfindung, die als "Scanner" bezeichnet wird, kann ein gedrucktes Clipbild auf eine Scanablage gelegt und in digitale X- und O-Zeichen umgewandelt und auf der Festplatte eines Computers gespeichert werden, um eine einfache Referenz zu ermöglichen! Für jemanden, der mit der Branche nicht vertraut ist, klingt dies nicht nach einem aufregenden historischen Fortschritt, sondern spricht persönlich sowohl von der Seite des Dunkelkammer-Kameramanns als auch als erfahrener Illustrator oder "Art Guy", der sich in der Werbung die Zähne geschnitten hat In der Industrie der frühen 80er Jahre waren Scanner ein Geschenk Gottes! Das Scannen von Bildern wurde in einigen Unternehmen zu einem Vollzeitjob, und pow! So wurde aus "Art Guy" "Scanner Man!"

Bald benutzten alle Cliparts, und leider waren Spot Illustrators und freischaffende Künstler (wie ich), die sich zuvor über einen riesigen Nischenmarkt erfreuten, obsolet. Hunderte von Verlagshäusern und Digitaldienstleistern sprangen auf die digitalen (und gedruckten) Clip-Art-Bandwaggons. Mit etwas Glück fanden viele der soeben erwähnten arbeitslosen Illustratoren eine neue Nische, vorausgesetzt, sie nahmen das neue Computermedium unter ihre Fittiche. Wenn Sie bereit wären, Stift und Tintenfass aufzugeben und gegen einen PC einzutauschen, hätten Sie gute Chancen, Ihren Lebensunterhalt zu sichern. Ansonsten bist du dem Weg der Dinosaurier gefolgt.

Im Laufe der Jahre wurde der gesamte Prozess weniger praxisnah als vielmehr produktionsorientiert. Lassen Sie mich erklären. Die erste Etappe der Schaffung digitaler Kunst würde in etwa so verlaufen. Ein Künstler würde ein Bild nur mit schwarzer Tinte zeichnen. Er (oder sie) nahm dann das Bild und legte es mit dem Gesicht nach unten auf einen Scanner. Mit einer Scansoftware wählte der Künstler bestimmte Einstellungen wie Auflösung, Skalierung usw. aus und "scannte" dann das Bild, wodurch eine digital formatierte Datei erstellt wurde. Der Künstler konnte wählen, welches Dateiformat seinen Anforderungen am besten entsprach, um das Endprodukt zu produzieren. Die zu dieser Zeit am häufigsten verwendeten Dateiformate für Strichzeichnungen waren .bmp (Bitmap) oder .pic (kurz für PICtor-Format). Als gescannte Fotos als ClipArt populärer wurden, wurden Dateiformate wie.tiff (Tagged Image File Format) und.jpg (or.jpeg) populärer. Bald entstand das World Wide Web, wodurch ein großer Bedarf an Dateien mit kleinerer Auflösung entstand, die schneller heruntergeladen werden konnten, und daher wurden die Dateien.gif (Graphics Interface Format) und.jpg zur Norm für dieses Medium. Beide Dateiformate wurden als Rasterdateien oder vielmehr als Dateien auf der Basis einer Punktmatrix-Datenstruktur betrachtet. Die Auflösung konnte auf 72 dpi (Dots Per Inch) reduziert werden und erscheint dem Webbenutzer dennoch sauber und gestochen scharf. Und ja, jetzt hat "Scanner Man" eine neue Berufsbezeichnung und wird "Production Guy!"

Im Laufe der Jahre wurden Vektordateien (oder Dateien, die auf mathematischen Ausdrücken basieren), deren populäres Dateiformat.eps (kurz für Encapsulated PostScript) von Druckern und Publikationshäusern aufgrund der Tatsache, dass.eps-Dateien verwendet werden könnten, zum am häufigsten verwendeten Format vergrößert oder verkleinert, ohne die Auflösung oder die "Schärfe" des Bildes zu verlieren. Die gesamte Branche bog nach links ab. Bis heute sind .eps-Dateien das branchenübliche ClipArt-Format.

Lassen Sie uns einen Moment diskutieren, wie eine.eps-Datei erstellt wird. Ähnlich wie beim Erstellen einer .jpg- oder .tiff-Datei, wie zuvor beschrieben, wird die "Hardcopy" -Liniengrafik mit einer Scan-Software gescannt. Statt jedoch eine Datei mit einer "mittleren" Auflösung von möglicherweise 150 dpi zu erstellen, wählt der Künstler die optimalste Auflösung möglich. Der Trick besteht darin, eine hochauflösende Rasterdatei zu erstellen, die nicht den gesamten verbleibenden Speicherplatz auf Ihrer Festplatte belegt! Je größer die Datei, desto mehr Dateninformationen, desto besser die Qualität. Hier ist, warum mehr Informationen der Schlüssel sind. Sobald die Rasterdatei erstellt wurde, importiert der Künstler die mit Punkten erstellte Rasterdatei (Punktmatrix) und importiert sie in ein Vektordateikonvertierungsprogramm, das diese Datei in saubere, gestochen scharfe Vektoren umwandelt. Bam! Ein weiterer "nicht so kreativer" Auftrag an "Production Guy!" In den größeren Werbeagenturen und Publikationshäusern wandelten Künstler, die einst mit dem Zeichnen von Originalbildern beauftragt waren, den größten Teil ihres Tages gedruckte ClipArt-Kataloge in digitale Vektordateien für Computerfreaks der Kunstabteilung um! Am Anfang konnte der Prozess zum Konvertieren einiger gescannter Bilder in Vektoren bis zu mehreren Stunden dauern. In den meisten Grafiksoftwareprogrammen nach Industriestandard sind Vektorkonvertierungswerkzeuge "eingebaut", und der gesamte Prozess kann in Minuten oder sogar Sekunden ausgeführt werden. Soviel zum Job von "Production Guy". Mit der Einführung der neuen Grafikdesign-Software wurde auch seine Position hinfällig.

Aber fühlen Sie sich nicht schlecht für "Production Guy". In den letzten Jahren haben es die Kreativen satt, den "gleichen alten, gleichen alten" und "Production Guy" zu sehen, der den Kreis geschlossen hat. Nachdem der alte "Art Guy" (ich) und andere freischaffende Künstler alle zuvor diskutierten Rollen gespielt haben, erleben sie eine Renaissance, und größere Unternehmen, die auf der Suche nach hippen und trendigen, topaktuellen Illustrationen sind, bringen uns wieder zur Arbeit! Aber keine Sorge, die alten "altbewährten" ClipArt-Bilder haben ihren Platz im "lizenzfreien" ClipArt-Markt gesichert. Lassen Sie uns als nächstes den Begriff "lizenzfrei" diskutieren.

Als Stock-Clip-Art-Unternehmen und Schriftfirmen wuchsen und wuchsen, stellten sie fest, dass einige Bilder und Schriften durchweg besser verkauft wurden als andere. Natürlich ist der erste Gedanke, der einem echten Geschäftsmann oder Unternehmer einfällt, "Wie kann ich mit diesen" Premium "-Bildern Geld verdienen?" Die Antwort ist natürlich, dass für Bilder, die sich besser verkaufen als andere, ein "Premium" -Preis berechnet wird. Der Rest der "Stock Clip Art" -Bilder wurde zu Trittbrettern, um die Premium-Galerie-Dateien zu verkaufen. Die Prämien wurden auf detailliertere Clip-Art-Bilder gelegt, die aus einem interessanteren Thema bestanden oder einfach einzigartiger waren und sich vom Rest der Sammlung abhoben. Große Hintergrund-, Rahmen- oder Randdateien mit mehr Details waren teurer als die kleineren Spotabbildungen. Feiertagsspezifische Stock-Illustrationen mit Themen wie Weihnachten, Halloween, Thanksgiving und Ostern sowie Illustrationen, die eine höhere Nachfrage oder ein höheres Interesse hervorrufen, wurden über den üblichen Alltagsbildern bewertet. Auf den Punkt gebracht, haben Aktienillustrationsfirmen ihre eigene "Marktnachfrage" nach buchstäblich jedem Bild oder jeder Bildmenge geschaffen, die sie ausgewählt haben. Eine Zeitlang hat dieses "Schema" funktioniert, und bis heute ist es auf einer kleineren Ebene immer noch so. Wer Geld hat, kann es sich immer leisten, eine Prämie zu zahlen. Aber was ist mit dem "Kleinen", der sich die Prämien nicht leisten konnte? Der Geruch von "Revolution" lag in der Luft!

Mit dem Zusammenbruch der US-Wirtschaft kurz nach dem 11. September erlebten große Clip-Art-Häuser, die sich auf die kostspieligen Prämien stützten, die ihre treue Kundenbasis jahrelang genutzt hatten, einen Schlag auf den Markt und infolgedessen kleinere Clip-Art Unternehmen begannen zu sprießen. Old Spot Illustratoren wie ich, die ihre Galerien über Galerien mit staubigen alten ClipArt-Bildern gespeichert hatten, kamen auf die Idee, den größeren ClipArt-Unternehmen Konkurrenz zu machen, indem sie "lizenzfreie" Bilder oder Bilder ohne PREMIEN anbieten! Erraten Sie, was? Es funktionierte! Royalty Free Bilder und Sammlungen wurden (wieder) zur Norm. Art Direktoren und Grafikdesigner, die sich einst vor den großen Stock-Clip-Art-Agenturen verbeugten, wachten auf und rochen den Kaffee ein wenig! Es war Zeit für einen Wandel in der Branche und der Wandel war gekommen. Sie waren nicht mehr daran gebunden, dieselben "Kesselplatten" -Bilder zu verwenden, die von vielleicht fünf oder sechs riesigen Aktienkunstfirmen angeboten wurden. Die Welt der Clip Art öffnete sich den Künstler-Rebellen mit ihren kleineren und unendlich einzigartigeren Clip Art-Kreationen und die Revolution war endlich da!

Jetzt ist "Art Guy" wieder im Geschäft und macht das, was er am meisten liebt ... ZEICHNEN! Vielleicht hat er sein Feder- und Tintenfass gegen einen PC und eine Maus oder ein Grafiktablett eingetauscht, aber er ist wieder glücklich und zufrieden ... und SO BIN ICH !!!